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Abstracts and notices of the participants
Moins connue que l’œuvre d’Anselm Kiefer, celle du couple Yeravant Gianikian et Angela Ricci Lucchi impose un geste manuel à un art mécanique comme celui du cinéma, autant par la pratique d’analyser manuellement les pellicules retrouvées, photogramme par photogramme, ainsi que par la nature hybride de leur caméra analytique qui rephotographe les photogrammes du film d’origine.
Leur cinéma interrompt le mouvement pour découvrir le fragment : une fois libéré des amnésies du rythme aux vingt-quatre photogrammes à la seconde qui, de quelque façon, réprime dans le figuratif le riche potentiel figural de l’image fixe, le document est ainsi affranchi de son oppression documentaliste. Cette épaisseur de l’image est rendue par des stratégies comme le recadrage, la couleur du virage, la vitesse de déroulement, un ralenti qui glisse dans la vision photogrammatique.
Cette poétique peut être abordée à l’aune de certaines théories de l’image qui ont fait du montage (Didi-Huberman), de l’intermédialité (Montani) et du remploi (Blüminger) autant de dispositifs qui rendent possible le dialogue entre les images et certaines perspectives philosophiques sur l’histoire (Benjamin, Agamben entre autres).
Le cinéma de G. et R. L. ouvre l’image à son épaisseur temporelle pour en faire un nouvel espace de pensée sur l’histoire et la mémoire, notamment sur le fascisme italien et son colonialisme. Mais comment saisir cette épaisseur figurale de l’image face à l’histoire ? Mon hypothèse est celle de creuser cette dimension à l’aide d’une analyse comparative avec certaines œuvres de Kiefer.
Luca Acquarelli est maître de conférences à l’Université Lille 3, membre du laboratoire Geriico et chercheur associé au CEHTA (EHESS). Il s’occupe principalement des théories de l’image et des questions politiques et historiques autour de l’image et de l’œuvre d’art. Parmi ses dernières publications, la direction du volume collectif Au prisme du figural, Les sens des images entre forme et force.
luca.acquarelli@univ-lille3.fr
Over the last few decades, the figure of the archive has become a subject of constant theoretical investigation. However, while this line of inquiry has produced significant insights on the nature and functioning of the archive, as well as on the various uses of archival practices in literature and the visual arts, the figurality of the archive has remained largely unquestioned. This paper aims at addressing this undertheorized aspect by looking into the intimate relationship between rhetoric, history, and aesthetics as uncovered by the central role played by evidence (in its dual meaning of ‘attestation’ and ‘manifestation’) in the construction of ars historica. Building upon recent analyses of the association between the ancient notions of energeia and enargeia, the present essay will tackle the shared features which support the reading together of archive and figure – or rather, of archive as figure – as well as the displacements effected by such a reading on the traditional, rhetorical understanding of figurality.
Anca Baicoianu holds a PhD in Literary Theory from the University of Bucharest, where she works as a Research Fellow within the project Figura – Body, Art, Space, Language, supported by a grant from the Romanian National Authority for Scientific Research and Innovation, CNCS-UEFISCDI, project number PNII-RU-TE-2014-4-0787. Her published works focus mainly on the relationships between history, memory and fiction in contemporary literature and the visual arts.
ancabaicoianu@gmail.com
Nous nous proposons de réfléchir sur ces trois termes à partir des textes fondateurs de Paul de Man (Allégories de la lecture et autres) concernant la figuralité. Nous suivrons leurs avatars, en comparant les textes originaux (en français) à leurs traductions anglaises. Pour le volume de Paul de Man, pratiquement, la version anglaise (réalisée par Thomas Trezise), est celle qui a fait circuler le concept de figure/figurated (language), en obnubilant la version originale, française, qui préférait le figural au figuré. Misreading ou meilleure conceptualisation de la même chose ? Le retour du figural dans La parole singulière de Laurent Jenny nous permettra, ensuite, de mieux cerner le devenir de ce concept „mal traduit”, dans la théorie littéraire de langue française.
Ioana Bican est professeur ordinaire à l’Université „Babeş-Bolyai” de Cluj-Napoca. Domaines d’intérêt: littérature roumaine des 19e et 20e siècles, histoire des idées littéraires européennes, théorie littéraire d’expression française. Essayiste et traductrice (notamment : de La parole singulière de Laurent Jenny, parue en 1999 aux Editions Univers de Bucarest), elle est aussi directrice d’un programme de DEA en Littérature roumaine. Professeur invité auprès des universités de Florence et Rome (Italie), Zurich (Suisse), Bucarest (Roumanie). Dernier volume scientifique publié : Eminescu explicat fratelui meu (Eminescu expliqué à mon frère), Bucarest, 2012.
oanaboth@gmail.com
Avec sa performance Self Unfinished (1998 > 2015), le danseur Xavier Le Roy émule chez son spectateur une étrange capacité de voyance : au-devant des aspects visibles du corps en mouvement se lèvent dans le regard des figures fantômes, comme par un excès de vision. Or cette prouesse n’est pas celle d’un illusionniste, mais seulement celle d’un danseur qui n’a recours à aucun artifice et ne dispose d’autre matériau que son corps, l’espace du théâtre et l’attention des spectateurs. C’est uniquement en jouant sur des dissensus entre le perçu, l’attendu et l’imaginé que Xavier Le Roy parvient à jeter le trouble dans la vision focale et la reconnaissance du schéma corporel. Ce faisant, le corps dansant libère, telle une nuée de simulacres, ce que j’appelle une levée des figures. À partir de la philosophie de Jean-François Lyotard et de quelques renseignements pris aux neurosciences, je propose de penser ces épiphanies sensibles, dont la danse est singulièrement capable, comme l’irruption du figural dans la figuration corporelle. Car si Lyotard, dans son ouvrage Discours, figure, prêtait cette puissance à la peinture, la danse est de facto l’art qui fait « fait voir que voir est une danse ».
Mathieu Bouvier est artiste visuel, dramaturge, doctorant en art à l’Université Paris 8 (philosophie et danse). Ses travaux de recherche portent sur une approche figurale du geste dansé. Il dirige avec le danseur Loïc Touzé un programme de recherche à la Manufacture de Lausanne (HETSR) sur le travail de la figure en danse:
http://pourunatlasdesfigures.net/
mathieu.speculos@gmail.com
The figure of Gradiva permeates Modernist literature, art and philosophy. You can encounter her mark in the works of such diverse authors as Salvador Dali, Sigmund Freud, Charles Baudelaire or Wilhelm Jensen. Originally a bas-relief of a woman in the act of walking (or dancing), this figure had a major impact on Modernist aesthetics. Neither static, nor in full-fledged movement, neither voluptuous, nor stern, neither vague, nor definite, neither asleep, nor ecstatic, Gradiva leaves room for multiple interpretations.
As is well known, it was Freud’s Delusion and Dream that gave Jensen’s Gradiva its contemporary and posthumous celebrity. Freud’s engagement with this text has already been interpreted in myriad ways, going from harsh criticism of his treatment of the text as a perfect “exemplification of psychoanalytic theory” (Willemart 56), to, for instance, a surmise of Freud’s identification with the character of Zoe/Gradiva in its Apollinic/healing stance (Bergstein 124). For Derrida, the ‘secret’ of Freud’s interest in this text lay in Freud’s well-known ‘archive fever’, the collector’s never-extinguishable fervour. Georges Didi-Huberman also noted the disquieting charm the figure of Gradiva exerted on Freud, stating that in her, Freud had been able to grasp an image containing memory and desire (Ninfa moderna. Essai sur le drapé tombé).
This paper will show that Gradiva is a figure of the subconscious which brings to the fore, in its actualization, a number of aesthetic elements which find themselves in the poetics of Modernists. We will look at representations of Gradiva in Wilhelm Jensen’s work but also in the work of other poets such as Charles Baudelaire or Paul Verlaine.
Ioana Cosma is an English lecturer at the Department of Translation from the University of Pitesti. She holds a PhD in Comparative Literature from the University of Toronto on the figure of the angel in Modernist literature. She conducted postdoctoral research at the University of Bucharest on the concept of forgetting in Modern literature and philosophy. She is currently writing a book on the figure of Gradiva in Modernism. Her main areas of investigation are: Modernist literature in English, French and Spanish, Continental philosophy and philosophy and literature.
ioanacosma@rocketmail.com
À partir de Discours, Figure notre communication vise à reconstruire une sorte d’archéologie du figural à travers les analyses du travail de trois penseurs chez lesquels, à notre avis, est déjà en œuvre une forme de réflexion qui nous semble avoir beaucoup d’éléments de ressemblance avec celle développée par Lyotard. En particulier, nous examinerons le statut, la fonction et le régime de l’image selon les perspectives théoriques d’Aby Warburg, Carl Einstein et Georges Bataille, relues à travers l’interprétation de la notion de figural proposée par Didi-Huberman dans trois textes qu’il consacre à ces auteurs.
En outre, notre travail établit une série de correspondances croisées entre les trois typologies de figures détectées par Lyotard et les conclusions auxquelles parviennent les trois auteurs pris ici en considération, de sorte que nous cherchons à faire coïncider en dernière instance la figure-image, la figureforme et la figure-espace de Lyotard avec trois différentes structures représentatives énucléables à partir des œuvres de Warburg, Einstein et Bataille.
Giuseppe Crivella, Université de Perugia et Université de Dijon. Étudiant à la Faculté de Philosophie de Dijon en 2009-2010, il a participé aux séances de Philosophie et cinéma de Monsieur Pierre Rodrigo. Ensuite PhD en phénoménologie avec une thèse sur Husserl intitulée Verso le matrici antepredicative della fenomenomenologia trascendentale. En 2014-1015 il a tenu des séminaires sur Adorno, Husserl, Merleau Ponty, Deleuze et le cinéma, Derrida, Walter Benjamin (ce dernier pour les séances de littératures comparées). Il s’occupe principalement d’esthétique, de philosophie des images et d’histoire de la philosophie contemporaine française et allemande. Cultore della Materia en Phénoménologie (SSD:M-FIL/01) et Histoire de la philosohie contemporaine (SSD:M-FIL/06). Il a récemment consacré deux travaux à Lyotard (Derive del figurale. Analisi storico-critica di Discours, Figure) et à Didi-Huberman (Per inane soluta. Didi-Huberman e le eterotopie dell'immagine), dont quelques extraits sont disponibles sur le site Academia.edu. Il a traduit en italien des textes de Caillois, Blanchot, Michel Henry et autres. Rédacteur de la Revue de Philosohie Kaspar Hauser. Come si accede al pensiero, il collabore aussi avec de nombreuses revues de philosophie et de littérature. En septembre 2015 il s’installe à Dijon pour fréquenter les séances de philosophie de la traduction de Monsieur Jean-Claude Gens, et participer aux séminaires de phénoménologie des Archives Husserl de Paris.
Depuis novembre 2015 il est membre de la Société Philosophique de Bourgogne.
https://vegajournal.academia.edu/GiuseppeCrivella p.crivella@libero.it
Ouvrage hypermédial du XIVe siècle, Le Roman de Fauvel est conçu par deux moines, Gervais de Bus et Chaillou de Pesstain qui se succèdent à la réalisation d’un texte comportant des parties musicales, un cycle iconographique montrant les auteurs à côté de Fortune, de la Vierge Marie et de Dieu même et qui contient un long épisode dépeignant un charivari.
Le texte du manuscrit 146 de la Bibliothèque Nationale de France, la principale référence de l’édition établie par Armand Strubel, contient un bon nombre de motets écrits en latin qui introduisent une perspective autoritaire, censée fixer l’horizon d’attente des lecteurs. C’est ainsi que se dévoile la présence de l’auteur qui n’en relâchera pas le fil de l’histoire. Et c’est par le biais de son regard que se construit l’image qu’on puisse se faire de Fauvel. Plus que l’identité de ce personnage, ce qui compte c’est le principe qu’il incarne, l’emblème du vice qu’il recèle. Cela explique, par ailleurs, l’importance du premier vers, dont la fonction est d’orienter l’intérêt du lecteur vers la figure plus générale du « favellandi vicium », doublée par « fex avaricie ». Le Roman de Fauvel est, par ailleurs, la représentation de tout un mécanisme d’enchâssement des figures de l’autorité, des figures du discours et des figures allégoriques, dont le but est de fixer la figure référentielle principale, le concept d’auteur. Le Roman de Fauvel est la construction de ce processus du devenir figuratif de l’auteur en tant que représentation iconographique discontinue et stratégie textuelle continue.
Laura Dumitrescu est maître-assistante à Université de Bucarest (Études Littéraires - Littérature Comparée) et elle est en train de réaliser une thèse en co-tutelle Université de Bucarest - Université Sorbonne Paris 3 sur la figure de l'auteur au XIVe siècle.
lauradumitrescu107@gmail.com
En 1881, Petite danseuse de quatorze ans d’Edgar Degas fait scandale à l’Exposition des Indépendants. La sculpture d’un jeune rat de l’opéra confronte et défie le spectateur. Le public et la critique de l’époque ne savent pas comment réagir devant cette proposition d’un mètre de haut ; la fillette est vue comme une curiosité, une poupée, ou encore un objet anthropologique. Figure anticonformiste de son temps, qui perturbe et corrompt une vision plus traditionnelle de la sculpture française, Petite danseuse, maintenant admirée et célébrée pour sa modernité dans le monde entier, reste aujourd’hui encore difficile à lire.
Trois œuvres de trois Young British Artists se réfèrent formellement à la sculpture de Degas et explorent la dynamique de cette œuvre : Young Dancer Aged 14 (1988), de Marc Quinn, réalisée en pain et coulée en bronze ; The Virgin Mother (2005), une sculpture monumentale de dix mètres en bronze peint de Damien Hirst, qui combine les références culturelles ; et The Twins (2004) de Rebecca Warren, soit deux sculptures modelées dans de l’argile blanche, présentées sous vitrines, comme le fut Petite danseuse. Quels aspects de cette sculpture fin de siècle intéressent exactement ces artistes londoniens dont les œuvres invitent à repenser le corps humain?
Cette communication entend examiner le rôle donné à la sculpture de Degas par ces artistes plasticiens et la manière dont Petite danseuse participe à la construction d’une discursivité figurative contemporaine.
Liliane Ehrhart est en quatrième année de doctorat dans le Département de Français et Italien à Princeton University. Elle écrit une thèse sur les figures de cire en littérature et arts visuels (XIXème-XXIème siècle), et étudie le travail d’Edgar Degas, Nathalie Sarraute, Hervé Guibert et Marc Quinn.
ehrhart@princeton.edu
La figura est pour le début de la période moderne en Europe une notion cardinale, à la fois héritée du Moyen Âge et réinventée à partir de la fin du XVe siècle. Par son triple ancrage théologique, rhétorique et plastique, elle informe les fondements de la représentation et propose une manière de penser autrement, qui va persister sur près de trois siècles. Cette présentation se fera en deux temps. Nous exposerons dans un premier temps dans quelle mesure la notion de figure structure une part essentielle de l’épistémologie de la période, puis nous préciserons notre point de vue en montrant comment cette figura introduit à une certaine conception de la figurabilité.
Agnès Guiderdoni est chercheuse qualifiée du Fonds National de la Recherche Scientifique (Belgique) et professeure à l’Université catholique de Louvain, où elle co-dirige le Centre d’analyse culturelle de la première modernité (GEMCA). Spécialiste de littérature française du XVIIe siècle, elle travaille plus particulièrement sur l’expression et la pensée figurées au début de la période moderne. Parmi ses publications: Emblemata sacra. Rhétorique et herméneutique du discours sacré en image co-édité en 2007 ; Ut pictura meditatio. The Meditative Image in Northern Art, 1500-1700, co-édité en 2012 ; et Fictions sacrées. Esthétique et théologie durant le premier âge moderne, co-édité en 2012. Sur Louis Marin : « Louis Marin’s theories of representation between text and image : from visuality to figurability », dans Saint and Stafford (eds), Modern French Visual Theory, 2013. Une monographie est à paraître chez Garnier, La figure emblématique. 1540-1740.
agnes.guiderdoni@uclouvain.be
Ralph Dekoninck est professeur à l’Université catholique de Louvain, co-directeur du Centre d’analyse culturelle de la première modernité (GEMCA), président du département d’archéologie, histoire de l’art et musicologie de l’UCL et membre de l’Académie royale de Belgique. Il poursuit des recherches sur les rapports entre théologie de l’image et théorie de l’art à l’époque moderne, sur les formes et figures de l’idolâtrie dans l’imaginaire moderne et sur la culture du spectacle baroque. Ses intérêts scientifiques se portent également sur des questions d’historiographie et d’épistémologie de l’histoire de l’art.
Parmi ses publications, on peut citer: Ad Imaginem. Statuts, fonctions et usages de l’image dans la littérature spirituelle jésuite du XVIIe siècle (Genève, Droz, 2005) ; L’idole dans l’imaginaire occidental (co-édité avec M. Watthee-Delmotte, Paris, L’Harmattan, 2005) ; Fou comme une image. Puissance et impuissance de nos idoles (Bruxelles, Labor, 2006) ; Emblemata sacra. Rhétorique et herméneutique du discours sacré en images (co-édité avec A. Guiderdoni, Brepols, Turnhout, 2007) ; Aux limites de l’imitation. L’ut pictura poesis à l’épreuve de la matière (co-édité avec A. Guiderdoni et N. Kremer, Amsterdam, Rodopi, 2009) ; L’art en valeurs (coédité avec D. Lories, Paris, L’Harmattan, 2011) ; Relations artistiques entre l’Italie et les anciens Pays-Bas (16e-17e siècles) (ed., Turnhout, Brepols, 2012) ; Ut pictura meditatio. The Meditative Image in Nothern Art, 1500-1700 (co-édité avec A. Guiderdoni et W. Melion, Turnhout, Brepols, 2012) ; Fictions sacrées. Esthétique et théologie durant le premier âge moderne (co-édité avec A. Guiderdoni et E. Granjon, Louvain, Peeters, 2013) ; Questions d’ornement (XVe-XVIIIe siècles) (co-édité avec C. Heering et M. Lefftz, Turnhout, Brepols, 2014) ; Machinae spirituales. Les retables baroques dans les Pays-Bas méridionaux et en Europe. Contributions à une histoire formelle du sentiment religieux au XVIIe siècle (co-édité avec B. d’Hainaut-Zveny, Bruxelles, IRPA-KIK (Artis Scientia), 2014) ; La vision incarnante et l’image incarnée. Santi di Tito et Caravage (Paris, éditions 1:1, 2016).
ralph.dekoninck@uclouvain.be
Shutter Island (Paramount Pictures 2010) is a highly debated film. Scorsese has been accused of distorting the facts and altering his historical sources. The depictions we see of the Holocaust are a mix of incompatible evidences and iconographies, an amalgam of irreconcilable data about history and ambiguous representations of the sublime. The director has created a visual style and a sound design that vacillate between thriller and horror, while betraying by an indirect intermediality the medial transparency and the indexicality of the reconstruction and deceiving by an elusive figural force the ethical responsibility of interpretation. The viewer sees and believes in the inhuman images of the nature and of the concentration camp of Dachau which are dialectical imaginings of another scene, upset by the work of figurability, where the past and the repressed return in our present too. On the one hand, the viewer participates empathically in the mental images relived and suffered by the protagonist in his post-traumatic hallucinations; on the other hand, he is prompted to recall the pictures quoted or paraphrased from the archives of the imagery of cinema and of the photojournalism of war. The images of the violence cannot be linked to an origin or past that have definitively been concluded, being more than recorded pictures or concrete evidences: they are clues and symptoms of a figural play. They come from a conflictual and endless descent of which cinema is the living and ambiguous memory; they are the open wounds of an original struggle between human and inhuman and of man – still surviving as figures, here and now.
Filippo Fimiani is Professor of Aesthetics and Theory of Images, and of Rhetoric of Images, at the University of Salerno/Université Paris I – CNRS Insitut ACTE. He is co-editor of Aisthesis. Devoted to critical theory in the images, visual culture and aesthetics, Fimiani especially works on the relations of visual and rhetoric representations in the literature and media issues.
http://dsc.unisa.it/fimiani/ fimiani@unisa.it
Marquée par le jeu du double miroir la défiguration du sujet est écrite en notes fiévreuses dans l’immobilité pleine du mouvement potentiel. Dans mon texte je propose une analyse de la défiguration dans deux films : Primo Amore (2004) de Matteo Garrone, et Teorema (1968) de Pier Paolo Pasolini.
Des figures contorsionnées deviennent les sujets désirés pour une séduction dans laquelle est incarnée la peur, l’extase, le crime. Le maître présence improbable opère la déconstruction du corps pris dans son ambivalence (jeu extérieur et intérieur) transformant en matière artistique et mystique modelable. Le mouvement est une vivisection des figures mythologisés contaminés par la révélation de l’absence et l’absence révélatrice. En passant de l’assassinat de la magie (Artaud) à un assassinat de l’image, la séduction alchimique opère l’acte essentiel de l’enterrement de la figure.
L’éclairage de la révélation rend la figure dépourvue de sens. Une double philosophie du graphein est réincarnée par les jeux de la séduction et de l’idéal artistique de la Grande Œuvre. Marqués par une alchimie profonde, les deux exemples posent un problème de la substance duale, un pharmakon platonicien, tel qu’il a été analysé par Derrida, qui traverse nature, corps, figure. Dans cette alchimie complexe les fantasmes nécessairement topologies dans le corps déchiré (Foucault) se manifestent par les efforts corrosives qui désirent sortir de la matière et de l’image.
Fabiana Florescu est dans son IIIème année d’études de licence en Littérature Comparée et Langue et Littérature Française à la Faculté de Lettres, Université de Bucarest et Université Paris 7.
florescufabiana@yahoo.com
Dans son historiographie critique (Les noms de l’histoire, 1992 / Figures de l’histoire, 2012), J. Rancière définit pour l’époque contemporaine des formes alternatives de poétique, de mise en récit et de mise en visibilité de l’histoire, qui auraient pour effet de mieux prendre en compte les anonymes et de découper autrement le sensible. Dans de nombreux textes (cf. par ex. Le destin des images, sur la « phraseimage »), Rancière étudie les formes d’accompagnement entre images et mots, et pense la figurabilité comme articulation de deux pouvoirs expressifs en un agencement spécifique. Pour échapper au débat stérile sur la préséance de l’image sur le langage (ou vice-versa), on envisagera avec Rancière l’idée selon laquelle l’image serait une « manière dont les choses parlent et se taisent ». L’image ne dit pas mieux les intensités que les mots, mais elle aménage un lieu inédit pour la mise en fiction des paroles de l’histoire. En ce sens spécifique, la figurabilité, comme mise en scène des mots et des images, doit pouvoir compter sur le travail de l’indétermination – comme on le montrera avec quelques exemples cinématographiques.
Maud Hagelstein est docteur en philosophie et chercheuse F.R.S.-FNRS. Elle enseigne l’esthétique à l’Université de Liège (Belgique). Elle a récemment consacré un ouvrage aux fondements de l’iconologie critique : Origine et survivances des symboles (Warburg, Cassirer, Panofsky), Hildesheim : Georg Olms Verlag AG, 2014. Ses recherches actuelles s’inscrivent dans le domaine de la théorie du visuel et portent sur l’actualité de l’approche iconologique dans la théorie de l’image contemporaine – en particulier : la Bildwissenchaft en Allemagne et les Visual Studies aux Etats-Unis. Elle a publié une trentaine d’articles dans ce domaine.
Maud.Hagelstein@ulg.ac.be
Corporeality and the body have been elemental themes of many of the most influential graphic memoirists, particularly for women wishing to confront outdated inscriptions of the female figure and traditional standards of beauty. It is perhaps hardly surprising that Katie Green’s “hand-drawn story” acknowledges the importance of the body in giving us a sense of our own existence and identity. Lighter Than My Shadow (2013) is an impressive debut, the author having successfully accomplished the challenging task of creating a visual vocabulary for women’s embodied experiences, formerly diminished as private or too taboo to be discussed in public: anorexia, abuse and betrayal.
The traumatic subject matter is remarkably balanced by the childlike and effective art style, as she attempts to translate her struggle with eating disorders, her body-image anxieties and suicidal thoughts, and ultimately recovers through the graphic medium – “I want to live. I want to draw”. Consequently, the author’s body is illustrated most prominently and explicitly, and like all graphic artists caught up in the act of self-portraiture, Green is constantly being compelled to engage with her physical identity. The body is perceived as a “dis/dys-appearance”, as an alien force threatening her identity. Using this idea as a point of departure, along with the appearance versus dys-appearance dichotomy in the relationship between our sense of self and the perceptions of our own body, I will analyze how the figure, in the case of people affected by trauma, is used as an exacerbated visual representation of those traumatic experiences. The key component of my study focuses on the way the comic medium draws attention to all the messy elements of corporeality which symbolize the author’s internal – and therefore invisible – struggles with body image.
Ana-Maria Gavrilă is PhD Candidate at Centre of Excellence in Image Studies (University of Bucharest), studying textual and visual narratives in Autobiographical Snapshots: Rethinking Identity through Image and Text, and a member of the research project “Intergenerational Dynamics of Vulnerability in American Trauma Narratives”.
anamaria.gavrila@hotmail.com
The theme of this research concerns the visual and cultural transformations of sacred spaces in an increasingly secular world. Sacred spaces are defined as areas where religious institutions practice their beliefs in the form of rituals. Chapels and churches are the constructions included in these spaces that have provided for the spiritual guidance of communities. On the one hand, the industrialization and rationalization of the Western world reveals a decrease in the attendance of rituals and a subsequent detachment from religious practices. On the other hand, from an architectural perspective, churches and chapels own their central urban position due to their central symbolic position. They have always provided the traditional community with a code that determined the orientation of its members within the world. Any code orders the relations between its terms according to regular intervals. Thinking buildings means thinking history and this presupposes different model of the thinking the past. The paper distinguishes three of these models: the museum, the archive and the atlas while it proposes the latter as a figural model of thinking history. Returning to Aby Warburg’s Mnemosyne project but also to Hanne Daarboven’s Cultural History and Gerhard Richter’s Atlas, the project addresses this model of thinking history as a network of figural forces that remerges in time and that constitutes an inspiration for the adaptive reuse of the architectural heritage.
Vlad Ionescu is post-doctoral researcher at the Faculty of Architecture and Arts, University of Hasselt. He read philosophy at the Catholic University of Leuven (BA, MA, PhD), and worked as a lecturer at the Faculty of Philosophy, University of Leiden, Faculty of Architecture (KU Leuven) and at the Performance Arts Research and Training Studio (P.A.R.T.S., Brussels). He has co-translated and co-edited the series JeanFrançois Lyotard. Writings on Contemporary Arts and Artists/Ecrits sur l’art contemporain et les artistes (Leuven UP). He wrote extensively about the figural in Lyotard and Deleuze. Currently he works on the notion of adaptive re-use and the atlas as a model of design. He is member of the research project “Figura – Body, Art, Space, Language” supported by a grant from the Romanian National Authority for Scientific Research and Innovation, CNCS-UEFISCDI, project number PN-II-RU-TE-2014-4-0787.
vlad.ionescu@uhasselt.be
The present study aims to follow representations of the human figure in various idioms through the contemporary artistic practice of the Vancouver-based Geoffrey Farmer. The analysis focuses mainly on three of his large scale, sculptural photo collages – The Surgeon and the Photographer (2009-2013), Leaves of Grass (2012), and Boneyard (2013-2015) – and particularly on their functioning as corporeal paper-cut configurations anchored in a series of specific narratives. Each of these works combines photographic, sculptural, and theatrical accounts of the figure that trigger both recognition and estrangement within their discreet, internal spatial logic.
Exceeding the standard bi-dimensionality of cut-out photographs, the highly choreographed (yet perfectly still) bodies and characters imagined by Farmer demand being perceived in the round, while bearing the flatness of an eternal, revolving archive. Dislocated body parts, signs, and icons refer in both literal and figurative ways to their lost context. This referential loss is achieved through the very process of cutting and is constantly reminded of by means of a wide range of assembling strategies, such as discrepancy in scale, playful juxtaposition, and de-territorialization (as understood by Gilles Deleuze) in a blank space, outside of time.
My approach is interested in how the multiple ties of the figure with its background are troubled, tense, and reconceptualized in these new forms of images ouvertes (Georges Didi-Huberman). A series of concepts proposed by Daniel Rodowick are deployed in order to investigate the mechanisms of the intermedial play at work in Geoffrey Farmer’s figural installations and sculptural theater.
Alexandra Irimia is a PhD student at the Doctoral School “Space, Image, Text, Territory” and research assistant at the University of Bucharest. She is member of the research project “Figura – Body, Art, Space, Language” supported by a grant from the Romanian National Authority for Scientific Research and Innovation, CNCS-UEFISCDI, project number PN-II-RU-TE-2014-4-0787. After studies in Literary Theory and Comparative Literature, she is aiming to develop a theoretical approach to various treatments of absence in literary and visual arts. Her other interests include film and photography studies, as well as the dynamics of intermedial play.
a.e.irimia@gmail.com
En dépit de son caractère inarticulé, la photographie constitue un miroir grossissant et inverse de l’énonciation discursive : inarticulé, mais non dépourvu de structure, le style photographique tient autant à des effets de champ qu’à des configurations de signe. Il nous rend attentif à ce qui est sous-évalué dans le style littéraire : le rôle des qualia infra-sémiotique, à la fois déstabilisateurs des structures sémiotiques et en puissance de sémiotisation (c’est-à-dire figuraux). En cela la photographie met en œuvre des processus stylistiques analogues à ceux des autres langages de l’art.
Laurent Jenny est professeur honoraire de l’Université de Genève. Auteur, entre autres, de La Parole singulière (Belin, 1990), La Fin de l’intériorité (PUF, 2002), La Vie esthétique, stases et flux (Verdier, 2012). Ses recherches récentes portent sur l’impact ontologique, moral et esthétique de l’invention de la photographie (« Photographie et beaux-arts : aller et retour », Critique n° 804, mai 2014 ; « Oscar Muñoz passeur d’images », Po&sie n°149-150, 2015 ; « Photographies à l’essai », in Jeux sérieux, cinéma et arts contemporains transforment l’essai, Genève, Mamco Head, pp. 547-555, 2015 ; « L’impureté photographique », revue Textuel, nelle série, n° 3 « Que reste-t-il de la beauté ? », Hermann, 2016).
Laurent.Jenny@unige.ch
Si dans le récit de soi, le « moi » se construit à la surface et dans les creux de l’écriture, l’autobiographie filmique ouvre un espace figural à l’intérieur et à l’encontre d’un type de discours placé presque exclusivement sous l’emprise du langage. Bien que toute autobiographie, en raison de son côté référentiel et de son ancrage dans l’histoire et l’événementiel semble difficilement accueillir le figural, son versant visuel est, en échangé, travaillé par des forces à même d’amorcer un dépérissement du référent. Le devenir-spectre dans Derrida, la disparition finale de Guibert dans La Pudeur ou l’impudeur, l’effacement visuel d’Alain Cavalier dans Le Filmeur se proposent comme autant des formes de rupture du « maillage identitaire » qui débouchent sur un changement du régime figuratif de l’image autobiographique. Sur le plan de la ponctuation filmique, les interstices et les ruptures de l’image – la voix-off, la coupe franche, le fonduenchaîné, le fondu au noir, le flou, le filage, les décadrages, le cache etc. – semblent travaillées par des tensions figurales qui insèrent l’invu en creux du visible et l’inavouable au rebours même de l’aveu. Il nous revient ainsi de s’interroger sur la manière dans laquelle le dispositif arrive à maintenir la configuration autobiographique et l’efficacité narrative du récit visuel pour que tout ne bascule dans la fiction ou que ne reflue vers l’informe du vécu. Depuis quelles perspective appréhender donc l’émergence de ce qui vient attester d’une formule et même d’un pacte autobiographique, comme la figure-visage, par exemple, et l’avènement de la dé-figuration, de l’informe et de la transgression qu’entraînent ces formes d’intermittence?
Andrei Lazăr est docteur ès lettres depuis 2013 avec une thèse intitulée L’autobiographie entre le texte et l’image. Il enseigne, en tant que maître-assistant, la littérature française des XVIIe et XVIIIe siècles et la littérature francophone de Belgique à la Faculté des Lettres de l’Université Babeş-Bolyai de Cluj-Napoca. Titulaire d’un diplôme de DEA de l’Université de Genève, chercheur postdoctoral à l’Université de Bucarest dans le cadre du projet de recherche « Figura – corps, art, espace, langage » (PN-II-RU-TE-2014-4-0787), membre du Centre d’études des lettres belges de langue française de Cluj et alumni du New Europe College de Bucarest. Il a publié plusieurs articles sur la relation entre littérature, cinéma et photographie dans le cas de l’autobiographie et sur la réception critique des œuvres de Roland Barthes et de Maurice Maeterlinck en Roumanie.
lazar_andrei_ioan@yahoo.fr
Si la figurabilité se donne à comprendre comme processus par lequel ce qui n’a pas encore accédé à la figure se trouve pris dans un mouvement vers la figuration, autrement dit comme un travail de singularisation de l’image, qu’en est-il du sujet qui, regardant l’image, fait l’expérience de sa figurabilité?
Louis Marin parle de « sidération en face de l’œuvre d’art », Georges Didi-Huberman, de « choc unique », d’un « risque pour la pensée », de la « force d’ébranlement suscitée par un regard posé sur la peinture », une force d’ébranlement qui peut parfois conduire à la mort si l’on pense, par exemple, à ce qui arrive à Bergotte, le personnage de Proust abattu par la découverte du « petit pan de mur jaune » du tableau de Vermeer. Si la figurabilité relève d’une dynamique de l’image, la plasticité – notion que je voudrais introduire ici dans le sillage de Catherine Malabou pour parler de cette capacité du sujet qui regarde d’être affecté par ce qu’il regarde, d’être modifié sous l’effet de l’expérience – relève plutôt d’une subjectivité prise ici dans un mouvement créateur et à la fois destructeur de la figure.
Laura Marin est enseignant-chercheur au Centre d’excellence dans l’étude de l’image (CESI), Université de Bucarest. En 2013 elle a publié aux Presses de l’Université de Bucarest un livre intitulé « Le Neutre. Lire Blanchot dans les traces de Levinas et Derrida », issu de ses travaux de recherche doctorale. Dans son parcours académique s’opère depuis quelque temps un « tournant visuel », qui la conduit à développer à présent un projet de recherche intitulé « Figura – corps, art, espace, langage » déroulé à l’Université de Bucarest et soutenu par CNCS-UEFISCDI (PN-II-RU-TE-2014-4-0787).
laurammarin@gmail.com
Le cinéma comme image-mouvement a donné lieu à une redistribution des figures rhétoriques, voire à une nouvelle rhétorique. Le « plan » comme unité du discours cinématographique, le montage comme organisation de ce discours, le traveling ou le plan-séquence comme art rhétorique, tout cela est désormais bien connu. La rhétorique, pourtant, ne relève pas seulement de ce qui serait identifiable, énumérable ou comptabilisable ; elle opère aussi au-delà du donné de l’œuvre d’art. L’allégorie relève sans aucun doute, et de la rhétorique et de cet au-delà de ce qui se donne immédiatement à voir dans l’œuvre.
Nous inspirant des réflexions de Walter Benjamin visant, à partir de Baudelaire, à conférer une nouvelle importance à cette vielle figure démodée qu’est l’allégorie, nous tenterons de comprendre son émergence dans Shoah de Claude Lanzmann et la fonction historique de sa résurrection par le cinéma.
Éric Marty est professeur de littérature contemporaine â l'université Paris-Diderot, membre de l'Institut Universitaire de France, auteur de nombreux essais autour de René Char, Jean Genet, Roland Barthes, ou Sade, est également écrivain, auteur de Le Cœur de la jeune Chinoise (2013), La Fille (2015), Les Palmiers sauvages (2015).
eric.marty12@wanadoo.fr
With this paper I propose a cinematographic study case of the figural representation of hos(ti)pitality, starting with the Derridean disbelief in a pure gesture of hospitality when granting the other the right to step across a threshold either with a literal and/or a figurative meaning. This disbelief is enforced by Derrida’s utterance that the manifestation of hospitality always includes “a threshold that would be a threshold, a door that would be a door”.
The threshold generates the specters of figural and figurative interpretations of hos(ti)pitality which lead to experiences of human behavior. The facets of hos(ti)pitality will be decoded having as support for analysis three cinematographic examples in which the figural juxtaposition between image, (con)text, cultural and linguistic barriers are illustrated: Life is Beautiful, original title La Vita è Bella, 1997, directed by Roberto Benigni, Into the Arms of Strangers: Stories of the Kindertransport, 2000, directed by Mark Jonathan Harris, and The Year My Parents Went on Vacation, original title O Ano em Que Meus Pais Saíram de Férias, 2006, directed by Cao Hamburger. The transition from the brightly colored items to the pictures and footages in black and white, to the slow movement of the footage showing the military troops marching on the streets and the frozen figures of the people amplifies the climax of the kinder accounts in the documentary Into the Arms of Strangers. On the other hand, Life is Beautiful reveals the manner in which a man is able to (re)create and to convert a hostile place into a game-like context, while the symbolic signifiers used in the film as the green paint on the white horse, the (re)interpretation of what the “superior race” meant are used to deconstruct a system which annihilated whoever was considered outside the Aryan race. Finally, The Year My Parents Went on Vacation closes the circle of the figural analysis of the hos(ti)pitable threshold seen through the eyes of a child abandoned by his left-wing activist parents in the 1970s Brazil.
Alina Mihai is a PhD student at the Doctoral School “Space, Image, Text, Territory” at the Faculty of Letters/CESI, University of Bucharest. She is member of the research project “Figura – Body, Art, Space, Language”, supported by a grant from the Romanian National Authority for Scientific Research and Innovation, CNCS-UEFISCDI, project number PN-II-RU-TE-2014-4-0787. Her current research approaches the investigation of critical theory and cinema, the Derridian concepts of hospitality and hostility, critical theory, deconstruction, image studies and visual culture, cinematography and film analysis. The title of her research project is “The Figural Representation of the Hos(ti)pitable Threshold as a Cinematic Signifier”, in which the figural interpretation of the dual concept of hos(ti)pitality underlines its interdisciplinary features.
alinavlad1000@gmail.com
The paper addresses the role of “figure” in Bruno Latour’s anthropological discourse on the “beings of fiction,” from his Enquête sur les modes d’existence. Une anthropologie des Modernes/An Inquiry into Modes of Existence. An Anthropology of the Moderns, in the attempt to reveal its ekphrastic and critical potential. As embedded in the “raw material” (whether this is the flow of words, the painting on a canvas, the performer’s body, or a block of stone), the figure is a “vacillating presence,” a rather fragile appearance, yet it imposes a particular responsibility on the viewer, who is bound thus to contemplate “what is morphing him.” A somewhat similar subjectivation of images is to be found in the visual culture theory of W.J.T. Mitchell, for whom pictures possess certain features of personhood: they have “desires,” turn back the gaze onto the viewer, and expect the beholder to engage them as other kinds of beings. In both these discourses ‒ anthropological and aesthetic ‒ figurability is proposed as a reversible act of interpellation and interpretation between, on one hand, the artistic entities, or the larger sphere of the fictional modes of existence, and, on other hand, the beholder that is himself/herself being “figured” in the process. Thus, figurability could be regarded as a flexible hermeneutic dispositif, whereby the act of interpretation reinforces the subject positions of both the interpreter and the artwork’s being.
Laura Pavel is a literary essayist and dramatic theory scholar, Professor at the Faculty of Theatre and Television of Babeş-Bolyai University, where she teaches theatre history and theory, aesthetics and anthropology of performance, cultural studies. She is the author of, among other publications, Ionesco. Antilumea unui sceptic (2002) / Ionesco. L’antimondo di uno scettico, transl. by. Maria Luisa Lombardo, Aracne Editrice (2016), Dumitru Tsepeneag and the Canon of Alternative Literature, transl. by Alistair Ian Blyth, Dalkey Archive Press (2011), and Theatre and Identity. Interpretations on the Inner Stage (2012).
laura.pav12@yahoo.com
Il s’agira de définir les contours, le contexte et les enjeux théoriques et historiques d’une définition de l’art comme figuration (ou « mise en figure »). En particulier, à partir d’une réflexion critique sur les thèses d’Arthur Danto sur la fin de l’art et la question de l’indiscernabilité, et en s’appuyant sur des analyses d’œuvres spécifiques, il s’agira de mettre en évidence l’utilité du concept de figure pour rendre compte d’une permanence de la dimension énergétique dans les pratiques artistiques et leur réception. On testera notamment cette thèse en traitant au prisme de cette énergétique de la figure la question de la rupture moderniste et éventuellement aussi celle de la fracture entre arts mimétiques et non-mimétiques.
Bertrand Rougé est professeur à l’Université de Pau & des Pays de l’Adour, directeur du CICADA (EA 1922), du Master « Rhétoriques des arts » et du département d’anglais, il a organisé 23 colloques et dirigé 36 volumes collectifs dans le domaine des arts et des études anglophones. Ayant travaillé sur l’ironie, notamment à partir de l’exemple du Pop Art, il s’efforce actuellement de développer l’hypothèse d’une énergétique de l’art comme figure en rapport avec une critique du discours moderniste de la rupture littérale et une remise en perspective des analyses d’Arthur Danto sur l’indiscernabilité et la fin de (l’histoire de) l’art.
bertrand.rouge@univ-pau.fr
The figural lies at the heart of Georges Didi-Huberman’s investigation into theology and painting in his book on Fra Angelico. In defiance of prevailing interpretations built on humanism and symbolism, symptomatic elements in paintings are shown to be the keys to a different and more exact structure of pictorial experience. The figural therefore opens up the question of representation to its other, dissemblance, and drives the search for a language of contemplation and exegesis (involving an important connection with Louis Marin’s work on figurability). The paper will ask what then happens to the figural in Didi-Huberman’s thought in a post-Christian context and in his more explicitly historical and cultural projects. Is the figural still implied in every use of the term ‘symptôme’? Figures and the ‘figurable’ are used less frequently than ‘survivances’, ‘mémoire’ or ‘lieu’, but I will consider how the figural persists in Didi-Huberman’s writing (in his work on language, notably in the texts called ‘fables’) and in his discussion of colour (in particular his focus on the monochrome in Sarkis, Convert and Pernot). The concluding move will be to offer some remarks on how these issues relating to the figural inform the historical work of the volumes of the L’Œil de l’histoire project.
Nigel Saint teaches French at the University of Leeds, UK. He is the author of Marguerite Yourcenar: Reading the Visual (2000) and co-editor with Andy Stafford of Modern French Visual Theory: A Critical Reader (2013). After publishing several articles on Louis Marin and Pascal Convert, he is writing a monograph on Didi-Huberman.
n.w.saint@leeds.ac.uk
Dans son livre de 1998, La chair des mots, Jacques Rancière pense le passage du texte à la réalité (ce qu’il appelle « sortie » de la lettre vers le réel ou « incarnation » du Verbe) à l’aide de deux procédés d’origine différente : l’un qui s’appuie sur le ressort biblique de la figuration du Christ et qui opère, à l’instar de l’allégorie, par un dédoublement des actions; l’autre qui évoque la « formule » de Bartleby (« Je préférerais ne pas »), et mobilise les ressources du jeu de langage, sa capacité de transférer dans la vie les indécidables de la langue, provoquant de la sorte la dérive des conduites et l’incongruité radicale des postures et des identités. Deux puissances différentes de la figure sont ainsi mobilisées, le dédoublement (l’allégorie) et la déformation (la « formule »). Or, il me semble que ces deux hypostases sont vouées chacune à une riche destinée dans la réflexion contemporaine. D’une part, la « formule » nourrit la pensée politique des années ‘90, où, à partir du commentaire de Gilles Deleuze, Bartleby ou la formule (1989), Antonio Negri ou Giorgio Agamben ont essayé de projeter un positionnement politique basé sur la réserve et sur la force du retrait. De l’autre part, l’allégorie est engagée dans l’actualisation du thème romantique de la poéticité généralisée, disséminant partout dans la réalité une activité signifiante incessante propre à la poésie. On en trouve des éléments chez Jacques Rancière ou Jean-Cristophe Bailly (L’Elargissement du poème, 2015) ou chez le « dernier » Laurent Jenny, qui dans La vie esthétique (2013) met la poésie à l’origine de l’organisation du vécu en fonction d’un « flux d’allégories ». J’aimerais réfléchir sur cette double vocation contemporaine de la figure, de fonder à la fois une conduite politique et une conduite poétique : pour cerner le caractère et le « pouvoir » singulier de ces deux représentations de la figuralité; mais surtout pour faire mieux ressortir leur espace commun. Car il faut comprendre, comme chez Jacques Rancière, ce qui justifie l’articulation de ces deux puissances de la figure, l’aller-retour entre la « formule » et l’allégorie, la réitération de leur alternance – ou, autrement dit, ce qui relie le politique et l’esthétisation de la vie dans la réflexion contemporaine.
Adrian Tudurachi est depuis 2005 docteur ès Lettres. Il est actuellement chercheur dans le cadre de l’Institut de Linguistique et d’Histoire Littéraire « Sextil Puscariu » de l'Académie Roumaine. Dernier livre : Fabrica de geniu. Nașterea unei mitologii a productivității literare în cultura română, 1825-1875 (La fabrique de génie. La naissance d'une mythologie de la productivité littéraire dans la culture roumaine, 1825-1875), 2016.
adrian.tudurachi@gmail.com
At the end of his book on Francis Bacon, Gilles Deleuze concludes that ‘it was with Michelangelo, with mannerism, that the Figure or the pictorial act was born in its pure state’. Drawing on Bergson’s ontology of images in Matter and Memory, I will reconstruct Deleuze’s concept of the Figure in painting as it is developed in The Logic of Sensation and the lectures on ‘La peinture et la question des concepts’ from 1981. At the core of my reading is Bergson’s distinction between ‘matter’ and ‘manner’. The latter is the power of visibility of the body that enables the immanent passage from the action of material forces (presence) to their superficial envelopment in perception (representation) while retaining its own virtuality. Whereas classicism obfuscates this difference, upholding the self-contained or organic unity of the image at the cost of a loss of information, mannerist images are finite fragments that seek to express more information (intensity) than the artist himself can put into it or a spectator can extract from it. They are hysterical: the form of expression still refers back to a stable form of content, while the form of content has already partly dissolved into the form of expression where it attains an hallucinatory otherness or excessive presence. In mannerist painting no less than in Bacon’s, it is as if we are looking into a crystal ball that reveals us all sorts of actual and virtual movements at the same time.
Sjoerd van Tuinen is Assistant Professor in Philosophy at Erasmus University Rotterdam and holds a PhD (on Deleuze and Leibniz) from Ghent University. He is editor of several books, including Deleuze Compendium (Boom, 2009), Deleuze and The Fold. A Critical Reader (Palgrave Macmillan, 2010), De nieuwe Franse filosofie (Boom, 2011), Speculative Art Histories (Edinburgh Universitry Press, forthcoming 2016), The Polemics of Ressentiment (Bloomsbury, forthcoming 2017), and has authored Sloterdijk. Binnenstebuiten denken (Kampen: Klement, 2004). Sjoerd is currently finalizing the manuscript for his monograph entitled Matter, Manner, Idea. Deleuze and Mannerism.
vantuinen@gmail.com
The figure of St Maurelio, patron Saint of Ferrara, appears in several works by the 15th century Ferrarese painter Cosimo Tura. Each time he appears differently, for this figure did not belong to a canonical iconography. The paintings thus present the figure as surplus to representation and to the iconographical method of interpretation by which figure is brought into correspondence with discourse. Interweaving analysis of the peculiarities posed by Tura’s treatment of the figure, idiosyncrasies in the staging of painting as sign in the Ferrara school, and analysis of the closely entwined but distinct theories of the figure developed by Jean Francois Lyotard and Gilles Deleuze, I will provide a reading of these unusual works, and consider how some of the methodological challenges they pose to art history might be addressed.
Kamini Vellodi is Lecturer in Contemporary Art Theory and Practice at the Edinburgh College of Art, University of Edinburgh, and Honorary fellow at the University of Exeter. She works on the methodological and conceptual intersections between contemporary continental philosophy and art history, currently with a focus on the work of Gilles Deleuze. She has published in journals including Art History, Parrhessia and Zeitschift fur Kunstgeschichte, and is currently completing her book ‘Tintoretto’s Difference’ – a study of the 16th century painter through the lens of Deleuze’s philosophy of the diagram – for Bloomsbury Press. She is also currently working on a critique of the concept of anachronism in art history. Kamini is also a practising artist, and has exhibited widely, including in the Sammlung Essl, Vienna, Bloomberg Space, London, and Asia House, London. Her work is held in several public and private collections in Europe, India and London.
kaminivellodi@hotmail.com
Concerning the pre-modern period, artistic negotiations of the figure are commonly associated with painting and sculpture. This paper, however, will draw new attention to the role of figurability in the textile arts in their close interrelation with other media: when weavers took inspiration from painting and when painters included figured fabrics in their works of art. Focusing mainly on the art production of the Italian Peninsula in the 14th and 15th century in their Mediterranean entanglements, this paper will highlight the aesthetics of figured fabrics, their performative dimensions, and the specific challenges which weavers faced when representing figures on pliable, foldable cloth. It will investigate the transmedial transfer processes between weaving and painting and the crucial role of materials in this matter, and it will shed new light on depictions of figures and figured fabrics in pictorial space.
Vera-Simone Schulz studied art history, philosophy and Russian literature in Berlin, Moscow and Damascus.
She held fellowships by the German National Academic Foundation (Studienstiftung) and by the German Academic Exchange Service (DAAD). Since April 2011, she has been an academic collaborator in the department of Prof. Dr. Gerhard Wolf at the Kunsthistorisches Institut in Florenz – Max-Planck-Institut. Her PhD thesis “Infiltrating Artifacts: ‘Orientalizations’ and Textile Aesthetics in Florence and Tuscany, 11751450” studies the impact of artifacts imported from the Islamic world onto the art and architecture of Tuscany and Florence. Her research interests include Mediterranean and transcultural art history; image-object interrelations; and the materiality of art. Schulz coordinates the international research project “Networks: Textile Arts and Textility in a Transcultural Perspective (4th-17th Cent.)”, based at Humboldt-Universität zu Berlin, funded by the German Research Foundation and directed by Gerhard Wolf.
vera-simone.schulz@khi.fi.it
James Ensor, who started his artistic career in 1880, suddenly introduced in 1885/86 a bizarre world of masks, skulls, puppets and grotesque figures in his paintings, with which he even overpainted earlier works. This new iconography was not the outcome of a wild imagination, but for the larger part the product of an inventive appropriation and transformation of existing images, which Ensor found illustrated in a series of books on the History of Caricature by the French writer and critic Jules Champfleury. Ensor, though, always kept his sources secret, and Champfleury was absent from the Ensor interpretation till today. In my lecture I will make a close reading of some iconic paintings, and analyze how exactly the original images are used and transformed.
Bart Verschaffel is since 2004 full Professor of Theory of Architecture and Architectural criticism at Ghent University (Belgium). He holds an MA in Medieval History and a PhD in Philosophy. He has published widely in the fields of Architectural Theory, Theory of History, Aesthetics, and Philosophy of Culture.
Monographical publications include: De glans der dingen. Studies en kritieken over kunst en cultuur (Vlees & Beton, Mechelen, 1989); Rome/Over theatraliteit (Vlees & Beton, Mechelen, 1990); Figuren/Essays (Van Halewyck/De Balie, Leuven/Amsterdam, 1995); Architecture is (as) a Gesture (Quart, Luzern 2001); À propos de Balthus (A&S/books, Gent, 2004); Van Hermes en Hestia. Teksten over architectuur (A&S/books, Gent, 2006, 2010²); Nature morte, portrait, paysage. Essais sur les genres en peinture (La Lettre Volée, Bruxelles, 2007); De zaak van de kunst. Over kennis, kritiek en schoonheid (A&S/books, Gent, 2011); Charles Vandenhove. Architecture/Architectuur 1954-2014 (Lannoo, Tielt, 2014).
Bart Verschaffel is the author of a series of documentary films produced between 1992 and 1996 on visual artists such as Jan Fabre, Henri De Braekeleer, René Magritte, Thierry De Cordier e.a. in collaboration with Jef Cornelis (BRTN). He was curator of two major exhibitions with catalogue: ‘Giambattista Piranesi. The Print Collection of Ghent University’ (Gent, Museum of Fine Arts, Ghent, 2008) and ‘b0b Van Reeth. Architect’ (Brussels, BOZAR, 2013). He headed the program section ‘Discourse and Literature’ for the Antwerp European Cultural Capital program in 1993. He was awarded with the Flemish Community’s Biennial Award for Art Criticism in 2003, and is a member of the Belgian Royal Academy of Sciences & Arts.
bart.verschaffel@ugent.be
In The Poetics of Space (1964), Gaston Bachelard recounts a tale in which a prisoner projects himself into a wall painting and hence imaginatively escapes his jail cell. The man ‘leaps’ into a small-scale landscape and, by doing so, redeems the contradiction between his yearning for freedom and the enclosure of the prison room: “I made myself very tiny, entered into the picture and climbed into the little train, which started moving, then disappeared into the darkness of the tunnel. For a few seconds longer, a bit of flaky smoke could be seen coming out of the round hole. Then this smoke blew away, and with it the picture, and with the picture, my person...” For Bachelard, the “onset” of the image enmeshes figure (landscape), support (jail cell), and the viewer (prisoner) in a way so as to negate, and effectively sublimate, historical reality.
With and against the Bachelardian “crack in the wall,” this paper discusses wall paintings by WestGerman artists Thomas Schütte and Ludger Gerdes. These artists were attuned to the “return of the image” after the demise of Minimal Art and conceptualism, yet they hardly ascribed to the euphoria over “redemptive” or “escapist” figuration in then-popular publications such as Hunger nach Bildern (1982). Instead, wall works like Schütte’s Große Mauer (1977) and Gerdes’ Wand-Bilder (1980-82) explore the figurative image in critical conjunction with the institutional architecture and the historical context that governs and which bounds it; while paintings such as Schütte’s Skizze für eine Ausgang (1981) – a staircase leading to a closed door – or Gerdes’ Die Schatten der Verpassten Chancen ziehen wieder (1983) – a staircase opened yet also drawn shut – perturb the mimetic capacity of the image as a “crack in the wall.” These works invite the viewer not to escape the real but to examine the figural work done on reality, both in the institutional and historical sense. They forward figurability as a category that implies, but at the same time transforms, a material and historical ground. As such, scale models by Schütte and Gerdes, too, can be understood as “built images” – investigating the figure as a utopian transfiguration of the real, an operation on its material ground.
Stefaan Vervoort is a Research Organization Flanders (FWO) PhD candidate at the Department of Architecture and Urban Planning, Ghent University, with a research project entitled ‘Models as Sculpture’. His research focuses on the exchange between art and architecture in the postwar era, as well as on the material formation of modern and contemporary art museums. He is editor of Aglaia Konrad from A to K (with Emiliano Battista, forthcoming with Walther König Verlag, Cologne, April 2016); Raymond Barion (with Mihnea Mircan and Stijn Maes, Antwerp: O.C.A.M./Extra City Kunsthal, 2014) and Luc Deleu - T.O.P. office: Orban Space (with Wouter Davidts and Guy Châtel, Amsterdam: Valiz, 2012), and curator of the exhibition Orban Space: Luc Deleu - T.O.P. office (with Wouter Davidts, Stroom Den Haag, The Hague (2013) and Extra City Kunsthal, Antwerp (2013)). Articles and reviews have appeared in several catalogues and in the art and architecture journals Camera Austria, De Witte Raaf, Metropolis M, Oase, OPEN!, The Journal of Architecture and San Rocco.
stefaan.vervoort@ugent.be
